Diego Velázquez

Diego Velázquez

Biografía y obras.

Diego Velázquez fue el pintor barroco español más importante del grupo porque trató con igual excelencia todos los géneros: religiosos, mitológicos, retratos, históricos, paisajes, bodegones, etc. Además de ser, indiscutiblemente, uno de los mejores artistas de todos los tiempos.

Velázquez nace en 1599 en Sevilla y muere en Madrid en 1660, realizando sus obras en la primera mitad del siglo XVII. En España todavía continúa reinando la Casa de los Austrias. De hecho, Velázquez será pintor de cámara de Felipe IV.

Se trata de una época en la que el estilo artístico que reina es el Barroco, que ha llegado a España desde Italia.

Las características más peculiares y representativas de la pintura de Velázquez son:

• Empleo de la perspectiva aérea.
• Profundidad.
• Pintura "alla prima", es decir, sin realización de bocetos. Por ello, las correcciones las hacía sobre la marcha y se nota en los numerosos "arrepentimientos" en sus cuadros.

La obra de Diego Velázquez es divisible en dos etapas: la sevillana y la madrileña

Etapa Sevillana  (1599- 1623)

En esta fase, Velázquez tuvo como maestro a Pacheco. Con él aprendió a ser un gran dibujante y a organizar las composiciones. Las primeras obras que realizó pertenecen al tenebrismo (tendencia italiana que procede de Caravaggio). Las características de esta corriente son:

• Realismo.
• Contrastes de luz.
• Composición diagonal.

Los temas que Velázquez pintó en esta primera etapa son religiosos y también populares, extraídos de la vida cotidiana.

Las obras más importantes son:

-Adoración de los Reyes Magos
-La Vieja friendo huevos
-El Aguador de Sevilla
-Bodegón a lo divino

Etapa Madrileña (1623-1660)

Etapa más amplia de la vida y obra de Velázquez que a su vez tiene distintas fases.

Inicialmente, desde 1623 a 1629 se emplea como pintor de cámara de Felipe IV y a medida que pasa el tiempo consigue mejores trabajos. En este periodo continúa su formación como pintor, tomando como referencia las galerías pictóricas de la Corte madrileña. Además, en esta etapa conoce al genio flamenco Rubens.

Las obras de esta primera etapa son:

-Los Borrachos

-La túnica de José
-La Fragua de Vulcano
-Las Lanzas o la Rendición de Breda
-Retrato de Felipe IV
-Retrato del Conde Duque de Olivares
-Retrato del príncipe Baltasar Carlos
-Retrato del príncipe Baltasar Carlos con atuendo de caza.
-Don Sebastián de Morra
-El Niño de Vallecas.

También hace retratos que hacen referencia al mundo clásico:

-Retrato de Esopo
-Cristo crucificado
-Retrato de Juan de Pareja
-Retrato del Papa Inocencio X
-Paisajes de la Villa Medicci
-Venus del espejo
-Las hilanderas
-Las Meninas

fuente.arteespana.com

Portinari

PORTINARI.

Bibliografía

Cándido Portinari fue uno de los pintores brasileños más famosos. Nació en Brodwski(Sao Paulo), el 29 de diciembre de 1903.

Estudió en la Ecole des Beauz-Arts de Rio enero, visitó países entre ellos España, Francia e Italia, donde terminó sus estudios.

En 1935 recibió un premio en Nueva York por su rabajo “café”. A partir de ese momento, su trabajo se hizo conocido en todo el mundo.

 Cándido Portinari falleció el 6 de febrero de 1962. Brasil perdió a uno de su sgrandes artistas. La causa de su muerte aparentemente fue por envenenamientocausado por los productos químicos presentes en determinadas pinturas.

Características principales de sus obras:

-Interpretan problemas sociales en Brasil.

-Utiliza algunos elementos del arte moderno.

- Sus obras reflejan las influencia del surrealismo, el cubismo y el arte de los muralistas mejicanos.

- Arte figurativo, la valoración de las tradiciones de la pintura.

Principales obras de Portinari.

-Medio ambiente                                           - -Recolectores de café.

-Mestizo                                                       -  El productor de café
-Slums                                                          -  Hombres y tops
-El Brodsqui zapatero´                                   -  Lavanderas
-Grupo de niñas jugando                                -  Muchacho con cordero
-Escena rural                                                 -  La primera misa en Brasil
-San Francisco de Asís                                   -  Las Retirantes.

Fuente: artes plásticas.

Biografía y obras.

Rembrandt.     Biografía:

Harmenszoon Van Rijn Rembrandt era un pintor y grabador holandés importante. Es considerado uno de los pintores más importantes del barroco europeo. Nacido 15 de julio 1606 en la ciudad de Leiden y murió en Amsterdam el 4 de octubre de 1669.

Hijo de una familia pobre con muchos hermanos y Rembrandt estudió latín cuando era niño. En este momento, ya mostró un gran interés en la pintura. Young se matriculó en la Universidad de su ciudad natal (Leiden).  fue aprendiz del pintor holandés Jacob van Swanenburgh y poco después abrió su propio estudio de arte en su ciudad.  En 1629, su talento fue descubierto y administrado varios órdenes de pinturas ante el tribunal de La Haya.  Durante las décadas de 1630 y 1640 su nombre era muy conocido en la escena del arte holandés y europeo. Gran parte de sus obras más famosas se llevó a cabo en este momento.

 La lección de anatomía del doctor Tulp (1632) Estilo artístico de Rembrandt: - En la primera etapa de su vida artística (1625-1630), Rembrandt abordado temas religiosos y alegóricos. En esta etapa, el detalle hecho muy presente en sus pinturas. - En la primera mitad de la década de 1630, Rembrandt se acercó a temas mitológicos, escenas de la Biblia y de los paisajes naturales. Sus obras de esta época se caracterizan por un alto contraste y gran formato; - En la década de 1640, el artista comenzó a tomar un tono más oscuro para sus pinturas. El formato de tamaño reducido. - En la década de 1650, Rembrandt era estilo para un análisis más detallado y fino. Con colores llamativos, interpretado personajes bíblicos individualmente. - En los últimos años de su vida, Rembrandt pintó autorretratos.

Obras de Rembrandt:

Los peregrinos de Emaús

Jeremías predice  la destrucción de Jerusalén  (1630)

La profetisa Ana

La lección de anatomía del doctor Tulp  (1632)

Descendientes de la cruz (1653)

El filósofo en meditación

Autorretrato del artista con pintura y pinceles

La ronda de Noche (1642

El hombre del casco dorado

Aristóteles con un busto de Homero.(1650)

La novia judía

La conjura de Claudius Civilis

La Boda de Sansón

Síndico de Pañeros

Festín de Baltasar.

Fuente. suapesquisa.com

Vincent Van Gogh

Vincent Van Gogh

Biografía:

Él comenzó a actuar profesionalmente cuando todavía era joven, de unos 15 años de edad. Trabajaba para un comerciante de arte en La Haya. Con casi veinte años, se trasladó a Londres, luego en París, gracias al reconocimiento tenido. Sin embargo, el interés por los asuntos religiosos sólo desviando su atención y decidió estudiar teología en la ciudad de Amsterdam. Aún sin terminar el curso, trabajó como pastor en Bélgica desde hace seis meses. Impresionado con la vida y el trabajo de los mineros pobres de la ciudad, preparado varios dibujos a lápiz.

Decidió regresar a la ciudad de La Haya, en 1880, y dedicó más tiempo a la pintura. Después de recibir una influencia significativa de la Escuela de La Haya, comenzó a producir una serie de trabajos que utilizan técnicas de juego de la luz. Durante este período, sus pinturas que representan la vida cotidiana de los campesinos y trabajadores rurales de Holanda. El año 1886 fue muy importante en su carrera. Se instalaron en París con su hermano. Conocidos, en la nueva ciudad, los pintores más importantes de la época como Emile Bernard, Toulouse- Lautrec, Paul Gauguin y Degas Edgar, representantes del impresionismo. Recibió una gran influencia de estos maestros del impresionismo, como se puede ver en varias de sus pinturas

Dos años después de su llegada a Francia, parte de la ciudad de Arles, en el sur del país. Una región rica en paisajes rurales, con un entorno bucólico. En este contexto, varios trabajos pintada con girasoles. En Arles, se las arregló para vender marco único que a lo largo de su vida: la encarnación Vine. 

Invitó a Gauguin a vivir con él en el sur de Francia. Este fue el único que aceptó la idea de fundar un centro cultural en la región. Al principio, la relación entre los dos era tranquila, pero con el tiempo, los desacuerdos fueron aumentando y cuando Gauguin regresó a París, Vincent entró en depresión. En varias ocasiones tuvieron ataques de violencia y su comportamiento era muy agresivo. Fue durante este período que llegó a su corte de oreja.  

Su estado psicológico llegó a reflejar en sus obras. Vamos técnica y comenzó a pintar salpicado de pinceladas rápidas y pequeñas. En el año 1889, su enfermedad era más grave y tuvo que ser hospitalizado en una clínica psiquiátrica. En esta clínica, dentro de un monasterio, tenía un hermoso jardín que se convirtió en su fuente de inspiración. Los golpes fueron puestos a un lado y la espiral curvas comenzaron a aparecer en sus pantallas 

En mayo, salió de la clínica y se fue a vivir a París, cerca de su hermano y el Dr. Paul Gachet, que lo trataría. Este doctor fue retratado en una de sus obras: Retrato del Dr. Gachet. Pero no de la situación depresiva retrocedido. El 27 de julio de 1890, le disparó a su propio pecho. Fue llevado a un hospital, pero no sobrevivió, muriendo tres días después.

Grandes obras de Van Gogh:

- Los comedores de patatas (1885) 
- Calavera con cigarrillo acceso (1886) 
- Under The Rain Bridge 
- Naturaleza muerta con Absinthe 
- El italiano (1887) 
- La encarnación del viñedo 
- The Yellow House (1888) 
- Los autorretratos 
- Retrato Dr. Gachet 
- Girasoles 
- Vista de Arles con lirios 
- Noche estrellada 
- La Escuela 
- The Old Mill (1888) 
- Olivos (1889) 
- Vista de Arles Orchard en flor 
- La Iglesia de Auvers 

Curiosidades de la vida de Van Gogh:

- Durante su vida, Vincent Van Gogh no podía vender ninguna de sus obras de arte.

- Al cierre del ejercicio 1888, Van Gogh se cortó la oreja derecha. Algunos biógrafos de la vida del artista, decir que el acto fue una especie de venganza contra su amante Virginie, después de Van Gogh descubrió que ella estaba enamorada de el artista Paul Gauguin. De acuerdo con esta versión, Van Gogh habría enviado a la oreja ensangrentada, en un sobre a su amante.

fuente:suapesquisa

Pintores famosos

             LEONARDO DA VINCI:

Biografía.

Fue uno de los pintores más importantes del Renacimiento Cultural. Se le considera un genio, porque demostró ser un excelente anatomista, ingeniero, matemático, músico, naturalista, arquitecto , inventor y escultor. Sus proyectos de trabajo y científicos eran casi siempre oculta en cuadernos (muchos de ellos escritos en código), y fue un artista que logró el reconocimiento y el prestigio de la gente de su tiempo.

Leonardo da Vinci hizo en el taller de Verrocchio etapa (artista importante de la época), en la ciudad de Florencia. Vivió en una época en Milán , donde trabajó para la corte de Ludovico Sforza. Hasta 1506, los estudios realizados principalmente en Florencia y todo indica que esta temporada ha pintado su obra más famosa: la Gioconda bella y enigmática. Trabajo para el rey Francisco I de Francia, donde realizó obras bellas. Murió en Francia en el año 1519.

Principales características de las pinturas de da Vinci: El uso de la técnica de la perspectiva artística, el uso del color cercano a la realidad, perfectas figuras humanas, temas religiosos, el uso de matemáticas cálculos en imágenes artísticas principal centralizada, los paisajes de fondo, figuras humanas como expresiones, sentimiento, detalles artísticos.

Grandes obras de Da Vinci:

Obras de pinturas (artes visuales) : Gioconda (Mona Lisa), Leda, la reina de armiño, Madonna Litta, Anunciación, La Última Cena, Ginevra de Benci, San Jerónimo, La Adoración de los Magos, La Virgen de las Rocas, Retrato de músico, St. John Bautista, Zona de Madonna, Leda y el cisne

Empleo invenciones : máquina de volar, excavadora, más ligeros, paracaídas, bestia gigante sobre ruedas, máquina de vapor, el submarino.

Documentos científicos : el hombre de Vitruvio, la anatomía del tronco, el estudio de pie y la pierna, anatomía ocular, el estudio del embarazo y estudios.
fuente:suapesquisa.com

Esfumado o difuminado.

Definición: de esfumado

El termino italiano sfumato se usa en español para referirse a la técnica pictórica característica del Renacimiento italiano en la que se difuminan los contornos, tonos y valores de las formas sin dejar rastros de la pincelada.

En español se traduce como esfumado, es sinónimo de difuminado y se usa, además de en la pintura, para la técnica de dibujo en la que el sombreado se hace con transiciones suaves de valor en las que el trazo del material empleado es imperceptible.

¿En qué consiste la técnica del sfumato?

En el sfumato se sustituyen los contornos y las líneas de dibujo en las figuras por sutiles graduaciones de luz y color, al superponer capas muy finas de pintura en las que se oculta la pincelada. Con ello se consigue que los límites de las formas se vuelvan imprecisos y se completen en la imaginación del espectador.

El sfumato se utiliza para crear ilusiones realistas según el objeto de la representación:

-En los paisajes se usa el sfumato gradual (contornos más borrosos cuanto más lejos se quiere representar el objeto del observador) para conseguir un efecto atmosférico causado por la bruma y la impresión de lejanía y profundidad de la perspectiva aérea.

-En los retratos se emplea para definir los rasgos de un rostro con un efecto vaporoso y delicado que transmita la sensación de suavidad y emociones acordes como la dulzura.

Origen y difusión del sfumato:

La invención de la técnica y el término sfumato se le atribuyen a Leonardo Da Vinci.

Aunque Leonardo es aprendiz de la escuela de pintura florentina del Renacimiento en la que predomina el uso de los contornos, Da Vinci deja pronto las líneas a un lado para experimentar con fondos atmosféricos, descoloridos y vaporosos, suponiendo que la atmósfera no es del todo transparente e influye en cómo se perciben los objetos en la distancia.

Con el tiempo llega a aplicar esta técnica de múltiples veladuras sutiles en los retratos logrando la atmósfera, luz difuminada y formas enigmáticas de obras maestras como ‘La Gioconda’.

A través de sus viajes y el uso continuado que hace Leonardo Da Vinci del sfumato en sus pinturas, la técnica se difunde por otras regiones de Italia influyendo notablemente en los jóvenes pintores italianos del siglo XVI que prefieren explorar los recursos atmosféricos de la perspectiva aérea a las normas matemáticas de la perspectiva lineal del Quattrocento.

Pintores de la escuela veneciana como Giorgione y Tiziano combinan la técnica del sfumato con una paleta de colores vivos, en vez de los tonos apagados de Da Vinci, dando lugar a un estilo pictórico de riqueza cromática (tonalismo en italiano).

La popularidad del sfumato también se extiende a otros países de Europa como Alemania o Francia de la mano de Hans Holbein el Joven y Jean Clouet.

También conocido como: Esfumado, difuminado.

Expresionismo y Cubismo

En el siglo XX

 Expresionismo y Cubismo:

Se define como la corriente del arte contemporáneo que nació a finales del siglo XIX con Vincent Van Gogh, James Ensor y Edward Munch, expresión de la interioridad de la conciencia, estilo vehemente fundado en deformaciones voluntarias de la naturaleza, en el cual se funden angustia y simbolismo.

Las obras expresionistas muestran una inspiración violenta, espontánea, rebelde y apasionada.

Representantes :

Alemania:

Ernst-Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl y Karl Schmidt-Rottluf, quienes se dedicaron a la pintura, litografía y grabado en madera, porque con estas técnicas podían expresar con mayor plenitud sus sentimientos, a la vez que se rescataba al grabado que se había utilizado en Alemania mucho tiempo atrás.

Rusia: Wassily Kandinsky se unió a algunos pintores del Die Brücke para formar un nuevo movimiento denominado Der Blaue Reiter, en español, El Jinete Azul. Este segundo movimiento de expresionismo alemán se hizo pronto internacional, porque en 1910 los movimientos del nuevo arte se difundían rápidamente por Europa.

Se añaden a estos dos grupos de expresionistas alemanes los artistas independientes como Kokoschka, Beckmann y Grosz.

En Francia: El expresionismo no fue nunca un movimiento coherente, sino un estado de ánimo común a pintores aislados: Rouault, Gruber, Gromaire y sobre todo, Chagall y Soutine.

En Italia: El expresionismo dio un pintor genial y singular, Modigliani.

 En España ha habido pintores que, partiendo de bases culturales diferentes, se han aproximado al expresionismo: Picasso en algunas de sus etapas, Isidre Nonell, José Gutiérrez Solana y Rafael Zabaleta.

 En México un gran pintor muralista considerado dentro del expresionismo fue Diego Rivera.

El expresionismo tras la Segunda Guerra Mundial reapareció, adoptando formas abstractas, en la Escuela de Nueva York, cuyos representantes fueron: Pollock, Kline, Gorky, De koonig, etc. Este movimiento recibió el nombre de Expresionismo Abstracto.

Las restrospectivas de dos de los principales representantes de la vanguardia del siglo XX, Gauguin (1906) y Cézanne (1907), ofrecieron a la investigación artística nuevas fuentes de estímulo. Especialmente la moda primitivista, bastante difundida entre los grupos artísticos de vanguardia, impulsó a pintores como Henri Matisse  y Pablo Picasso a estudiar las colecciones etnográficas de los museos de París, e incluso a reunir ellos mismos colecciones de máscaras y otros objetos primitivos.

Entre 1908 y 1914 Picasso y Georges Braque trabajaron en estrecha colaboración, realizando naturalezas muertas y retratos en los que, poco a poco, se fueron definiendo las características distintivas del Cubismo. Modificando de raíz la relación que tradicionalmente existía entre el mundo tridimensional de la realidad y su representación sobre la superficie de la tela, el arte cubista rechaza la ilusión del espacio como elemento necesario de la imaginación pictórica.

Otros pintores como Robert Delaunay, Fernand Léger y Marcel Duchamp, desarrollaron importantes investigaciones sobre el empleo del color, intentando suscitar en sus obras lo que el crítico Guillaume Apollinaire definió como "un puro placer estético". El mismo Apollinaire acuñó para este movimiento el término de Orfismo.

fuente: nationalpaste

Pintura simbolista y modernista

Simbolismo:

El término simbolista procede del ámbito literario. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes.

El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Tanto el Impresionismo, como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos, políticos, morales e intelectuales. Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento, rechazan lo que trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la actividad industrial y la degradación.

Se va creando un estado de decepción frente al positivismo y cientifismo imperante y se descubre una realidad más allá de lo empírico. A esto contribuye Schopenhauer, que en su oposición al positivismo, insiste en que el mundo visible es mera apariencia y que sólo adquiere importancia cuando somos conscientes de que a través de él se expresa la verdad eterna.

Él defiende no el pintar el objeto en sí mismo, sino para trascender a otros ámbitos a través de la intuición y la contemplación.

Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emoción provocada por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la capacidad de sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones, el misterio, el ocultismo. Sienten la necesidad de expresar una realidad distinta a lo tangible y tienden hacia la espiritualidad. El símbolo se convierte en su instrumento de comunicación decantándose por figuras que trascienden lo material y son signos de mundos ideales y raros. Hay una inclinación hacia lo sobrenatural, lo que no se ve, hacia el mundo de las sombras.

La revelación de Freud acerca de la vida de los sueños y la existencia de una parte irracional en lo humano es aplicada al programa simbolista reivindicando la búsqueda interior.

Cultivarán el subjetivismo, el anti-racionalismo y aflorará el interés por el cristianismo y las tradiciones diversas. Estudian la ambigüedad, la belleza hermafrodita, lo andrógeno, la mujer fatal que destroza cuando ama, lo femenino devorador. La mujer brota del mundo del inconsciente y para huir de la realidad adopta forma de esfinge, de sirena, de araña o de genio alado. Los seres que aparecen en ese mundo de sueño serán incorpóreos.

Prestan especial atención a la forma, pero la ponen al servicio de unos ideales que van más allá de la pura apariencia. Plasman sus sueños y fantasías por medio de la alusión al símbolo y a una rica ornamentación. A veces utilizan colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Puede decirse que es una pintura de ideas, sintética, subjetiva y decorativa.

El simbolismo no puede definirse como un estilo unitario, sino como un conglomerado de encuentros pictóricos individuales que supera nacionalidades y límites cronológicos. En esta línea podemos encontrar figuras tan dispares como Van Gogh, Gaugain, Klimt o Munch. El simbolismo derivará en una aplicación bella y cotidiana de profunda raigambre en el arte europeo de finales del S. XIX y principios del S. XX, el Art Nouveau.

 Los precursores de esta nueva pintura son

 Gustave Moreau,

 Puvis de Chavannes

 Odilon Redon.

fuente:arteespaña

Modernismo:

Características:   Se responde al deseo de superar el academicismo e  Impresionismo. Abandono de lo cotidiano en pro de temas de contenido simbólico-conceptual. Insistencia en la línea y en el dibujo muy expresivo. Es una pintura de carácter lineal y bidimensional. Formas orgánicas. Formatos alargados y apaisados. Se recrea en el tema de la mujer, la perversión y el erotismo. Excesivo decorativismo, que puede adelantar la abstracción.  La línea independiente que avanza hacia el Expresionismo posterior. Adquieren gran importancia las ilustraciones gráficas, el cartel y la litografía.   Representantes:   Gustave  Klimt Picasso. ( etapas azul y rosa) fuente: humanistes

Pintura Impresionista y post- impresionista

               Impresionismo: Características. 

•      Intentaban captar fielmente la realidad influidos por el auge del positivismo y las ciencias.  
•             Gustaban de los colores claros, luminosos y brillantes. En vez de fundir los colores en la paleta, los impresionistas yuxtaponían pinceladas de colores puros, sin mezcla, siguiendo las leyes ópticas de «contrastes simultáneos» de Chevreul;  aplicaban colores primarios o secundarios directamente sobre el lienzo y era el ojo del espectador el que recomponía los colores. 
• Plasmaban la luz vibrante sobre el lienzo: Intentaban captar la impresión momentánea de las cosas, la apariencia, por eso debían trabajar de prisa. Estudiaban los distintos matices de la atmósfera mediante versiones de un mismo motivo en distintos momentos del día, variando la luz y la atmósfera.
•   Coloración de las sombras: Evitaban las sombras negras y se reducían a espacios coloreados con tonalidades complementarias —luces amarillas, sombras violetas—. El claroscuro quedó eliminado.
•  Pincelada suelta, rápida, y nerviosa como las famosas vírgulas de Monet.
•   Las composiciones eran espontáneas, con puntos de vista fotográficos; utilizaban encuadres originales, que cortaban los cuerpos de forma parcial.
•  Los temas preferidos eran banales, secundarios, sin importancia: escenas urbanas, de interior de cafés, bulevares de París, regatas, carreras de caballos y bailarinas, que muestran su gusto por el movimiento. Y preferentemente paisajes pintados al aire libre en los que plasmaron las variaciones de la atmósfera en condiciones variables con sol, lluvia, niebla, el reflejo de la luz sobre el agua en sus cuadros de marinas, ríos, estanques.
•   Sus cuadros no tenían carga política ni social, los impresionistas eran artistas bohemios.

 Los más importantes representantes del Impresionismo fueron:

 Claude Monet

Augusto Renoir

Edgard Degas

Camille Pissarro

Joaquin Sorolla.

fuente:educaré.

El postimpresionismo: Es un término histórico – artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX. Varios artistas partiendo del impresionismo derivan hacia una pintura personal, teniendo como principales características la recuperación de la importancia del dibujo y la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas.

El Postimpresionismo es importante en la historia del arte porque abre con sus innovadoras propuestas el camino de la renovación pictórica que trajeron los movimientos artísticos de vanguardia.

Movimientos como el Fauvismo, Cubismo o Expresionismo recibieron la influencia de los artistas Postimpresionistas.

Características:    Las principales características del postimpresionismo son:

·         Interés por el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.

·         Conciliación entre efecto volumétrico y el gusto puramente estético.

·         Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos.

·         Empleo de colores contrastantes.

·         Colores puros con gran carga emotiva.

Representantes:

Henri Matisse

Joan Miró

Odilon Redon

Paul Cezanne

Paul Gauguin

Pierre Bonnard

Vincent Van Gogh

Fuente: frasesypensamientos.