sábado, 17 de octubre de 2020

La Escultura

 

¿Qué es la escultura?

 

Se llama escultura al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado.

 

Las primeras piezas escultóricas que se conocen proceden de Egipto, China, India y Oriente Medio, lugares donde hacia el 4000 a. C. ya existían hornos para fabricar objetos de barro. ​ Más o menos por estas fechas se descubrió la fundición de los metales.

Las 10 esculturas más famosas del mundo

·         El David (Florencia)

·         Estatua de la Libertad (Nueva York)

·         Gran Esfinge de Guiza (Guiza)

·          La Piedad (Vaticano)

·         Venus de Milo (París) ...

·         Cristo Redentor (Río de Janeiro) ...

·         Moái  (Chile)

·         El Moisés (Roma)

 

¿Cuál es la escultura más hermosa del mundo?

 

El David de Miguel Ángel es una de las esculturas más famosas del mundo y está considerado otro modelo de belleza. Es decir, si en la antigüedad clásica fue el Hermes de Policleto el que represento el ideal de belleza durante siglos, desde el siglo XVI este modelo lo ha representado el David.

 

 

 

 

 

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martes, 29 de septiembre de 2020

Grandes pintores: Rembrand .

 

 

Rembrandt van Rijn




Rembrandt es uno de los grandes pintores la escuela holandesa barroca.

Biografía:

Su nombre completo es Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Nació en 1606 en Leiden (Holanda) y era hijo de un molinero. Comenzó sus estudios en la Escuela Latina y a los 14 años fue admitido en la universidad de Leiden, aunque la abandonó para estudiar pintura en el taller de un maestro local, Jacob van Swanenburch.

En 1624 viajó a Ámsterdam para completar su formación junto a Pieter Lastman, con quien permaneció seis meses. De regreso a Leiden abrió su propio taller y, debido a su gran reconocimiento, pronto empezó a contar con sus primeros discípulos.

En 1631 se trasladó de nuevo a Ámsterdam. Vivió en la casa del marchante de arte Hendrick van Uylenburch, lo que le permitió conocer a su futura esposa, Saskia van Uylenburch, prima del marchante e hija de una distinguida familia. En 1634 se casó con ella, el matrimonio le ayudó a impulsar su carrera y a entrar en contacto con numerosos clientes adinerados que le encargaron retratos de forma continua. Sin embargo, su vida familiar contó con numerosos percances, ya que tres de sus cuatro hijos murieron al poco de nacer y en 1642, también muere Saskia a causa de tuberculosis.

Al poco tiempo, inicia una nueva relación con Hendrickje Stoffels, su ama de llaves, quien posará en muchos de sus trabajos. Y ambos, deciden tener una hija, Cornelia.

La vida del pintor estuvo siempre llena de escándalos y desgracias. Stoffels murió en 1663, su hijo Titus en 1668 y Rembrandt falleció once meses más tarde, el 4 de octubre de 1669, en Amsterdam.

A pesar de todo ello, el trabajo y la calidad de sus pinturas no se vieron afectadas por sus problemas personales.

Estilo de Rembrandt

Rembrandt llevó a cabo gran cantidad de obras, cultivó el retrato, tanto colectivo como individual, la temática religiosa, el paisaje y también realizó grabados y dibujos.

Entre sus características principales destaca el uso del claroscuro, empleando en ocasiones fuertes contrastes, y el dramatismo de sus escenas, adentrándose en la comprensión de la naturaleza humana.

El estilo de sus primeras pinturas refleja la influencia de su maestro, Pieter Lastman. Elige temas de gran dramatismo y sus composiciones presentan numerosos detalles y contrastes muy marcados de luces y sombras.

En los retratos de se interesa por los rasgos de sus personajes, los detalles de la ropa y los muebles de la habitación. Sin embargo, no todos los retratos son una representación objetiva del retratado, ya que a través de ellos realizaba estudios de distintas emociones que después incorporaba en sus obras de temas bíblicos e históricos. Por esta razón, en muchos de sus cuadros podemos ver a miembros de su familia, que eran utilizados como modelos.

Obra de Rembrandt van Rijn

La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632)

Fue pintada en plena juventud, a los 26 años. Constituye su obra maestra, es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt. Fue un encargo del gremio de cirujanos, entre los que Tulp, un famoso médico de Ámsterdam, era un destacado representante.




La cofradía de cirujanos de Ámsterdam, de la que Tulp era el anatomista oficial, permitía una disección pública al año y tenía que ser del cadáver de un criminal ejecutado. Por ello, las clases de anatomía con disección eran actos poco frecuentes que se convirtieron en acontecimientos sociales a los que podían asistir estudiantes, profesionales o el público en general, a cambio del pago de la entrada.

El cuadro muestra una lección de anatomía impartida por el doctor Nicolaes Tulp, que lleva un sombrero y unas pinzas en la mano derecha, y muestra a sus alumnos la disección de un brazo, los tendones y los músculos. El cuerpo del muerto en el que se realizan las prácticas es el de un conocido criminal que había sido ahorcado ese mismo día por robo a mano armada. Detrás del cadáver, se sitúan los alumnos, atentos a la lección. Destacan sus expresiones de sorpresa, de entusiasmo, de emoción…

En Lección de anatomía Rembrandt se interesa por los contrastes lumínicos, con una luz potente y clara, que ilumina unas zonas y deja otras en penumbra.

El Descendimiento de la cruz (1633)

Se trata de un tema religioso y forma parte de una serie de siete obras sobre la Pasión de Cristo.

El claroscuro se inspira en Caravaggio y en el naturalismo tenebrista. Utiliza la luz para destacar la figura de Cristo y el sudario blanco que sujetan varios personajes para bajar al Redentor. El resto de la composición queda en penumbra, aunque pueden apreciarse siluetas y algunas figuras.

Presenta las características típicas del barroco son la composición en diagonal y la sensación de movimiento mediante escorzos como el de Cristo.

La ronda de noche (1642)

Es una de sus obras más famosas. Representa la milicia del capitán Frans Banning Cocq en el momento en el que éste da una orden a su alférez.

La escena se desarrolla al aire libre, pero no de noche como indica su título, sino que la obra se ha oscurecido con el paso del tiempo. Prueba de ello es que no se la conoció como La Ronda de Noche hasta el siglo XIX. Antes era denominada La Milicia del capitán Frans Cocq.





Está pintada con gran realismo, captando los rostros y las actitudes de todos los personajes y transmitiendo sensación de movimiento. Los juegos de luz y sombra recuerdan la influencia de Caravaggio.



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lunes, 21 de septiembre de 2020

Características de la pintura

 

Características de la Pintura al Óleo

Las principales ventajas de las pinturas al óleo son su flexibilidad y profundidad de color. Pueden aplicarse de muchas maneras diferentes, desde esmaltes finos diluidos con trementina hasta un denso y grueso impasto. Debido a que es lento de secar, los artistas pueden seguir trabajando la pintura por mucho más tiempo que otros tipos de pintura.

Los requisitos técnicos de algunas escuelas de pintura moderna no pueden realizarse mediante los géneros y técnicas tradicionales, y algunos pintores abstractos, y en cierta medida los pintores contemporáneos de estilos tradicionales, han expresado la necesidad de una fluidez o viscosidad plástica totalmente diferente que no puede obtenerse con la pintura al óleo y sus aditivos convencionales. 

Algunos requieren una mayor variedad de aplicaciones gruesas, finas y una tasa de secado más rápida. Algunos artistas han mezclado materiales de grano grueso con sus colores para crear nuevas texturas, algunos han utilizado pinturas al óleo en espesores mucho más pesados que antes, y muchos han recurrido al uso de pinturas acrílicas, que son más versátiles y se secan rápidamente.

Legado de esta Pintura

Si durante el siglo XV los artistas utilizaban la pintura al óleo sobre paneles en el tradicional estilo temperado de dibujo lineal, los pintores del siglo XVI, especialmente en la Venecia renacentista que surgió como el principal centro de pintura al óleo de Italia, aprendieron rápidamente a explotar las características básicas de la pintura al óleo, particularmente en su uso de capas sucesivas de vidriado, mientras que el lienzo de lino sustituyó a los paneles de madera como el soporte más popular. Entre los principales exponentes de la pintura al óleo en el siglo XVI se encontraban coloristas de la escuela de pintura veneciana como Veronese (1528-88), Tiziano (1487-1576) y Tintoretto (1518-94)

El comienzo del arte moderno, el siglo XIX, mostró una serie de estilos innovadores de pintura al óleo, todos ellos mejorados en gran medida por las mejoras en la calidad, la gama, los pigmentos y la mejora de la tecnología de fabricación de la pintura al óleo. 

Un legado son los movimientos de pintura al aire libre como la Escuela del Río Hudson (fl.1820-75), el Luminismo (fl.1850-75) y el Impresionismo (fl.1870s) que se beneficiaron significativamente de la invención del tubo de pintura de estaño plegable por el artista americano John Rand, en 1841, que dio lugar a que se dispusiera de más colores premezclados en un medio que era conveniente para la pintura al aire libre.

Principales representantes de esta Pintura

Uno de los maestros de la técnica del óleo del siglo XVII fue Diego Velázquez, un pintor español de tradición veneciana, cuyas pinceladas, se muestran muy escasas pero muy informativas, que han sido frecuentemente imitadas, especialmente en el retrato. 

El pintor flamenco Peter Paul Rubens influyó en los pintores posteriores en la forma en que cargó sus colores claros, de manera opaca, en aproximación a sombras oscuras, finas y transparentes. Un tercer gran maestro de la pintura al óleo del siglo XVII fue el pintor holandés Rembrandt van Rijn. 

Rembrandt en su obra una sola pincelada puede representar eficazmente la forma, los trazos acumulativos que dan una gran profundidad de textura, combinando lo áspero y lo liso, lo grueso y lo fino. Un sistema de blancos cargados y oscuros transparentes se realza aún más por los efectos de esmalte, las mezclas y los impastos altamente controlados.

 

fuentetiposdearte

 

lunes, 31 de agosto de 2020

Pintura al óleo

 

¿Qué es la pintura al óleo?

El óleo es una técnica pictórica en la que los pigmentos se mezclan con un aglutinante compuesto por aceites. Esta base aceitosa convierte a la pintura al óleo en una de las preferidas por los artistas para trabajar, pues los aceites le aportan fluidez a la pintura. Es una masa de pintura muy espesa y dura, pero al mismo tiempo es fácil trabajar con ella por cómo se desliza sobre el soporte.

La pintura al óleo permite crear una amplia paleta de color partiendo de la combinación de los colores base con un resultado de gran calidad. El aceite también permite que la pintura tarde mucho en secar, por tanto los cuadros no necesitan realizarse en un periodo concreto, si no que se puede dilatar su tiempo de realización.

Otra de las grandes virtudes de la pintura al óleo es que su acabado es brillante, de color muy vivo y se conserva en tal estado durante siglos, literalmente. Con unos controles mínimos de conservación, limpieza y restauración la pintura queda perfecta, pase el tiempo que pase.

Como pintar al óleo

1.    Uso de capas. La pintura oleo permite cubrir una sección ya pintada con otra capa de color.

2.    Intensificación de color. Diluir la pintura en varias escalas tonales servirá para definir la forma de los objetos y crear volumen de manera sencilla.

3.    Bloqueo de color. Seguir los contornos de un objeto con pintura diluida para delimitar los bordes utilizando los mismos tonos que se han empleado dentro del elemento pintado.

4.    Piel blanca. Aunque no haya dos personas con el mismo color de piel, una cosa que te ayudará a pintar casi todo tipo de pieles (entendidas como «blancas») es utilizar una base en tonos anaranjados y blanco. Para las zonas con menos incisión de la luz puedes aportar colores fríos como azul o violáceo.

5.    Sensación de transparencia. Para conseguirla se debe dibujar el objeto transparente y después aplicar unas pinceladas de alguna pintura más opaca por encima del objeto.

6.    Sensación de metal. Utiliza el contraste entre el color negro y el blanco para crear el reflejo y ayúdate de la pintura blanca diluida para crear la sensación de brillo. Por último unas pinceladas sutiles de blanco te ayudarán a hacer pequeños destellos.

7.    Volumen con blanco. Para dar sensación tridimensional a un objeto de color liso puedes aplicar unas finas pinceladas de color blanco por encima.

8.    Crear fondos rápidos. Con aplicar unas pequeñas pinceladas de pintura diluida en espacios separados es suficiente para, después con unos brochazos extenderla y crear un fondo uniforme y rápido.

9.    Suma carboncillo. A modo de «técnica mixta» puedes ayudarte de un carboncillo para reforzar la sombra propia y la proyectada de algunos objetos.

10. Manchas de pinceladas. Puedes hacerte servir de forma de la mancha de pintura como medio expresivo. Con ello podrás diferenciar planos, objetos, texturas etcétera en función del tipo de pincelada que dejes sobre tus lienzos para óleo. Puede ser larga, corta, a puntos…

11. Puntillismo. Como en el impresionismo, puedes emplear ésta técnica para tus obras. Con pequeñas manchas de pintura debes cubrir todo el dibujo atendiendo a que cada punto represente el tono exacto que encaja en esa parte del cuadro

 fuente:totenart.com

miércoles, 19 de agosto de 2020

Nombre de algunos pintores.

Nombre y fotografía de algunos pintores peruanos.


Tradicionalmente se les llama 'pintores' a los artistas que practican el arte de crear cuadros, frescos y en general, decorar superficies de forma innovadora y artística. A partir del siglo XIX, con las nuevas técnicas fotográficas que permitieron retratos inmediatos y mucho más fieles, los pintores 'de profesión' se convirtieron en fotógrafos, o se reciclaron como ilustradores gráficos, bocetistas o caricaturistas, mientras que los pintores 'artistas' se empezaron a basar en su inspiración personal y no en la comisión de un cliente. Este ranking se basa precisamente en los artistas, para los cuales Perú ha dado lugar a importantes nombres a lo largo de su historia. Según tu criterio,


1.-Sérvulo Gutiérrez                             

2.-Álvaro Suárez Vértiz                        

3.- Carlos Baca Flor                             

4.- Teodoro Núñez Ureta                     

5.-Pancho Fierro                                  

6.-Fernando de Szyszlo                                 

7.-Jorge Vinatea Reynoso                    

8.-Alberto Vargas                                 

 

10  César Moro                                      

11.- Tylsa Tsuchiya                               


12.-Boris Vallejo                                   

13.-Gonzálo de Mariátegui                  

14.-Ricardo Flores                               

15.- Gerardo Chávez                           

16.-Francisco Espinoza Dueñas         

17.- Marcos zapata                              

                      

18.-Macedonio de la Torre                    

19.- Hugo Orellana Bonilla                   

 

20.-Renso Castañeda Zevallos            

 

23.- José G. Álvarez                            

 


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