domingo, 29 de septiembre de 2013

Francois Boucher

Boucher par Gustav Lundberg 1741.jpg

       Retrato de Brancois Boucher por Gustav Lundberg 1741

Nació en París en 1703. Fue el más estimado e influyente de los artistas del período rococó. Su refinada preparación académica lograda en Roma durante muchos años le valió el honor de ser el pintor de cámara del Rey Luis XV, y el protegido incondicional de Madame Pompadour; inteligente y hábil mujer que fuera amiga y ministra del monarca francés.

Boucher a su ingreso en la corte de Francia encontró una aristocracia eufórica sin escrúpulos,satisfecha de su vanidad y exigente de placer; entendiendo desde luego su función como artista y que logra superar debido a su temperamento sensible, amable y voluptuoso.
Boucher, prefirió dentro de su temática la belleza femenina, por la cual se sintió admirador irresistible y en cuyo género alcanzó realización prolífica y de insuperable calidad.

Su obra está inspirada en artistas como Watteau y Rubens. Del primero tomó algunos temas, pero los representó con una energía vital y un color más vivo que recuerda más a Rubens. De todas formas, empleaba una pincelada bastante pulida y buscaba un acabado muy detallista, sin la audacia de Rubens y más bien destinado a agradar a su clientela cortesana. Muchos de sus cuadros eran de pequeño formato, para estancias privadas y no para grandes salones oficiales, por lo que estaban pensados para ser vistos de cerca y su superficie recuerda a la porcelana.Sus primeras obras celebraban la tranquilidad de la naturaleza y la evasión que otorga el campo. Su trabajo olvida la inocencia tradicional del campesino, e impregna sus escenas con algo de erotismo, y sus escenas mitológicas son apasionadas y amorosas, en lugar de las típicas épicas.
La marquesa de Pompadour, quien era sinónimo de arte rococó, era una gran admiradora de la obra de Boucher, y son en los retratos de ésta donde el pintor muestra más claramente su estilo. En cuadros como El almuerzo, de 1739, muestra una escena familiar con gran maestría, usando a su propia familia como modelos. Este estilo intimista contrasta con las imágenes explícitas que pinta en los retratos de las odaliscas, como puede verse en elDesnudo en reposo. La cara de la mujer es la de su propia esposa (Diderot dijo que Boucher estaba «prostituyendo a su mujer») y, según leyendas, losglúteos son los de Madame de Pompadour.
Además de sus cuadros, Boucher diseñó trajes para teatros, tapicesgobelinos y participó en la decoración de los palacios de Versalles,Fontainebleau y Choisy.
François Boucher murió el 30 de mayo de 1770 en París. Ha sido uno de los mayores exponentes del estilo rococó francés, al igual que su mecenas, Madame de Pompadour.

Obras:


fuente:artespláticas
wikipedia


viernes, 27 de septiembre de 2013

EL ARTE ROCOCÓ


El Arte Rococó .- fue el arte de la riqueza, del lujo y la suntuosidad, creado para satisfacer las exigencias imperativas de placer y vanidad de la aristocracia reinante en la Francia del siglo XVIII.
"El arte rococó es un arte barroco mundanizado y frívolo", afirma Córdova Iturburu en su libro "Como ver un cuadro".

IDEOLOGÍA: El arte rococó aparece como reacción contra la mústica espiritualidad del arte barroco, para transformarse en arte profano, de puro placer, de vanidad y sensualidad.
El rococó tuvo como idea rectora:
"Hacer arte para el amor, nada sin amor, desde la infancia", dice José Pijoán; entendiéndose claramente por amor: placer sensual, voluptuosidad, lujuria; desde la infancia agrega: para ser contundente hasta la desverguenza, la inmoralidad y la indecencia.
Tal idea resulta odiosa para la sana susceptibilidad, para aquel que tenga un concepto sublime del amor; pero, no resintamos nuestro espiritu y sigamos con el sano propósito de gozar de la belleza pura sólo como arte.

CARACTERES ESTÉTICOS:  La Línea. El arte rococó exagera la línea curva del barroco, para lograr mayores efectos de movimiento, de pomposidad y de grandeza.
Color: Es de gran riqueza cromática. Recurre muchas veces a la falsedad de colores con el objeto de conseguir efectos para estímulos de los sentidos, sin preocuparse de la verdad formal.

TEMÁTICA: La temática preferente del arte rococó, es el retrato. Y dentro de este género, prefiere la beleza femenina ricamente ataviada, en poses aristocráticas o sensuales que bien corresponden con la lujosa indumentaria o la belleza de sus figura. Todo es vanidad y sensualidad.
Luego le sigue en preferencia, los retratos de la nobleza imperante;reyes, príncipes y cortesanos muy bien vestidos.
En la decoración señorial, los ámbitos cósmicos de la fantasía barroca con temas religiosos son transformados por el rococó en olimpos paganos.
El excesivo anhelo de originalidad y de orgullo, hace que la temática del arte rococó llegue a las postrimerías, convertido en un espectáculo ridículo y bufo, al representar los personajes de Corte, como dioses de la mitologís clásica. Se ven ilustres cortesanos retratados en las figuras de Hércules y Apolo; muchas damas, como Flora, Diana, Aurora, ceres, Pomona; cuando jóvenes y como Juno, Minerva, cuando eran de edad madura.
Este arte del siglo XVIII, revela la gran decadencia moral,el poco tino e inteligencia, la degradación hasta hacer parecer a las personas títeres vivos en actuación teatral.
 Es definitiva esto fue el rococó, el arte cortesano de la Francia y de Luis XV, cuya fantasía libidinosa trascendió a España, Inglaterra e Italia y que en el siglo XIX sería reprimido y escarnecido por el arte neo-clacisista, romántico y realista.






fuente.artesplásticasjuanvillacortap

miércoles, 25 de septiembre de 2013

El Arte Rococó


EL  ARTE  ROCOCÓ
(Sinópsis)


SIGLO XVIII


                         PAÍSES                                               ARTISTAS REPRESENTATIVOS:


                                                                                                 Francois Boucher
                                                                                                 Juan Marcos Nattier
                          Francia                                                            Juan Antonio Watteau
                                                                                                 Juan Antonio Pater
                                                                                                 Juan Honorato Fragonard
                                                                                                 Juan Simón Chardin


                                                                                                 Juan Bautista Tiepolo
                          Italia                                                                Juan Bautista Piazzetta
                                                                                                 Pedro Longhi


                          Inglaterra                                                         William Hoggart
                                                                                                 Thomas Gainsborough
                                                                                                  Joshua  Reynolds



                                                                                                 Francisco Bayeu
                                                                                                 Ramón Bayeu
                            España                                                          Luis Paret
                                                                                                 Luis Eugenio Menéndez
                                                                                                 Antonio Maella y J. Castillo
                                                                                                 Francisco de Goya.















fuente:juanvilacortap.


lunes, 23 de septiembre de 2013

Bartolomé Murillo




Bartolome Esteban Murillo - Self-Portrait (2)


Bartolomé Esteban Murillo nació en Sevilla en 1618. Murió en Sevilla en 1682.
A Murillo se le conoce como el Rafael español por su vida y por su obra. Quedó huérfano a los 10 años y fue el genial creador de las Concepciones. Sus vírgenes son eztraordinariamente humanas y divinas; encantan por su ternura y candor insuperable.
Murillo destacó también como creador de tipos femeninos e infantiles: del candor de la muchacha con flores al realismo vivo y directo de sus niños de la calle,pilluelos y mendigos, que constituyen un prodigioso estudio de la vida popular. Después de una serie dedicada a la Parábola del hijo pródigo, se le encomendó la decoración de la iglesia del convento de los capuchinos de Cádiz, dela que sólo concluyó los Desposorios de Santa Catalina, ya que falleció mientras trabajaba en ella, a consecuencia de una caída desde un andamio.

Obras:


La Sagrada Familia 



Niños comiendo melón y uvas.

El buen pastor niño.


Niños comiendo pastel

Virgen y niño.

biografiasyvida

sábado, 21 de septiembre de 2013

Las Meninas de Velázquez

Las Meninas 1656 Museo del Prado. Madrid.

Es otra de sus pinturas maestras de tipo cortesano. Presenta la familia de Felipe IV. El rey y la reina figuran reflejados en el espejo del fondo. A la izquierda se ve al artista pintando. La figura central es la princesita   Margarita María rodeada por dos niñas de la nobleza, sus meninas María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco. Completan el ángulo derecho dos personas de notable contraste; Maribarbola, de de facciones feas y regordeta, y Nicolasillo Portosanto, un enano curioso de origen italiano. Concluyen el grupo un enorme can y otros personajes de fondo apenas reconocibles.
El cuadro como obra de arte es maravilloso. Velázquez se muestra artista indiscutible de la profundidad y del volomen, de la vida y sus factores físicos y espirituales; del valor pictórico que trata de lacorrecta interpretación de los grados de luz y sombra y de todos aquellos elementos estéticos que permiten la representación fidedigna del cosmos.


Otras obras de Velázquez

El Dios Baco

File:Diego Velasquez, The Count-Duke of Olivares on Horseback.jpg

El Duque de Olivares


Las Hilanderas


Venus en su baño.
fuente:juanvillacoraparedes
imágenesgoogle

jueves, 19 de septiembre de 2013

DIEGO DE VELÁSQUEZ



(Autorretrato)

Diego Rodríguez de Silva y Velásquez, nació en Sevilla en 1599, murió en Madrid en 1660.desde niño dio muestras de predilección por el arte de la pintura,iniciando sus primeros conocimientos con Francisco de Herrera el Viejo y después con el que fuera su suegro Francisco Pacheco, buen pintor, escritor, crítico y poeta.
Muy joven alcanzó fama de artista por lo que fue llamado para actuar como pintor de cámara del rey Felipe IV. Su magnífica producción de alta calidad queda bien representada en cuatro obras maravillosas y a la vez determinan época en su creación plástica; son estos: "Los Borrachos", "El Cristo Crucificado" , "Las Lanzas" y "Las Meninas", sin dejar de considerar sus admirables cuadros "Las Hilanderas" , "El Retrato de Papa Inocencio X", "La Fragua de Vulcano" y  otros.







"Las Lanzas" o "La Rendición de Breda" presenta un pasaje histórico captado con insuperable maestría figurativa, psicológica, simbólica y técnica. Los personajes principales son nobilísimos por la extrema caridad y comprensión que demuestran.
El general vencedor marques Ambrosio  Spinola a la derecha, recibe con gesto bondadoso la llave de la ciudad de manos de jefe vencido, Justino de Nassau.
El cuadro es de un realismo sorprendente, porque cada personaje es un tipo que vive en la escena con sus propios gestos y expresiones. El paisaje de fondo es tan espléndido que la naturaleza parece envuelta en atmósfera verdadera e inundada por una luz clara.
La composición es maestra, la perspectiva insuperable y el color riquísimo. Es en definitiva una de las mejores muestras del arte barroco del siglo XVII.

Otras obras:


fuente:pinturaclásicauniversaljuanvillcortaparedes

lunes, 16 de septiembre de 2013

La Adoración de los Pastores, por el Greco

La adoración de los pastores (El Greco).jpg

Nótese el efecto de fantástica espiritualidad,creada por la composición lineal en forma de lenguas de fuego.

La Adoración de los Pastores es un cuadro pintado por El Greco (Domenikos Theotokopoulos, 1541-1614). Este óleo sobre tela mide 320 centímetros de alto y 180 cm de ancho, y fue ejecutado entre 1612 y 1614, posiblemente durante el último año de la vida de El Greco. Se conserva en el Museo del Prado de MadridEspaña.
Este cuadro fue pintado para la cripta de la iglesia de Santo Domingo el Antiguo de Toledo.
El cuadro es una obra que el artista hizo para que colgase sobre su propia tumba en la iglesia de Santo Domingo el Antiguo en Toledo. La firma de El Greco, en griego puede verse en la esquina inferior izquierda.
La composición está desarrollada en espiral, creando un movimiento de ascensión. La distorsión extrema de los cuerpos caracteriza  La Adoración de los Pastores como toda la obra tardía de El Greco. Los colores brillantes, «disonantes», y las formas y poses extrañas crean una sensación de maravilla y éxtasis, al celebrar los pastores y los ángeles el milagro del niño recién nacido. El Niño Jesús aparece envuelto en brillantez y blancura, lo que es un recurso tomado de los iconos, y parece emitir una luz que juega en los rostros de los pastores descalzos que se han reunido para rendir homenaje al nacimiento milagroso. Una energía rítmica anima la pintura, expresada en los movimientos de las figuras, como si bailasen. Fuertes contrastes entre la luz y las zonas oscuras realzan el sentido del drama. El grupo de ángeles que sobrevuelan la escena puede que se parezcan a la parte que falta de la Visión del Apocalipsis o laApertura del séptimo sello.
En 1618 el ayudante de El Greco, Luis Tristán, dijo que su maestro estuvo trabajando en La adoración de los pastores hasta su muerte. La pintura fue más tarde transferida al altar mayor del monasterio de Santo Domingo El Antiguo. En 1954 fue adquirida por el Museo del Prado en Madrid.

fuente:Wiquipedia

sábado, 14 de septiembre de 2013

Obras de "El Greco"





 
El Entierro del Conde Orgaz    -      Iglesia de San Tomé, Toledo.

Este cuadro resume y sintetiza toda la labor del Greco. La parte de arriba, la gloria celestial, corresponde a esa manera calificada de arbitraria y caprichosa. El mundo ideal, fantástico, de libre interpretación. La parte de abajo corresponde a su manera normal. Es que: se trata de la realidad, hay  allí un hecho humano,es que son hombres, se trata de la vida diaria. Pero obsérvese que las figuras de San Esteban y San Agustín, que sostienen el cuerpo del muerto prócer, ya padecen los alargamientos y las deformaciones propias de sus figuras religiosas.

fuentejuanvillacortaparedes

jueves, 12 de septiembre de 2013

El Greco

El Greco:

Domenikos Theotocopulos llamado "El Greco" nació en Candia en la ciudad de Creta (Grecia) en 1545.
Hizo sus estudios de arte en Venecia (Italia) llegando a tomar amistad con Tiziano y Tintoretto de quienes tuvo mucha influencia en el manerismo de alargar las figuras y a la riqueza y vivacidad de los colores.
En 1575 viajó a España. Se radicó en Toledo y allí permaneció hasta su muerteen 1623. Su estética pronunció la distorsión lineal y apagó su color luminoso y alegre importado de Venecia para tornarse terroso y opaco como correspondía a la tristeza contemplativa y fúnebre del pueblo toledano.
El arte del Greco es extraordinariamente místico. Su composición lineal ondulante con tendencia vertical para conformar aparentes lenguas de fuego, dan idea de fantástica espiritualidad.
En Titanes de la Pintura se lee:

..."El arte del Greco manifiesta lo que en aquel tiempo era la propia España, un pueblo triste, contemplativo, de una melancolía fúnebre, dominado por una religión tenebrosa y férrea, en medio de una vida llena de gravedad, de humildad y de lirismo..."
Él en medio de las colinas grises, del campo desolado, del cielo tornasol, de las calles estrechas y silenciosas; de los hidalgos vestidos de negro,altivos y solemnes, de los clérigos sombríos, respirando ascetismo y teología, oyendo hablar sólo de herejes, de glorias, de purgatorios y de infiernos, tenía por fuerza que abandonar su paleta veneciana, su pincel sensual, su vehemencia pagana y complacerse en las luces pálidas , agrias y frías y soñar en fantásticos mundos  en donde las almas y los cuerpos fuesen como llamas que se ensanchan y que se agrandan buscando el infinito. Y este es su arte religioso. Así son sus Cristos, sus ascetas, sus místicos, vírgenes y apóstoles: mezcla de alucinación y de ensueño, de fantasía y  de realidad.
Así concibe su obra cumbre:"El entierro de Conde de Orgaz"...

martes, 10 de septiembre de 2013

ARTE BARROCO EN ESPAÑA

EL Arte del período  barroco en España queda magníficamente representado en la obra del Greco, de Diego de Velásquez y de Bartolomé Murillo, sin que esta selección signifique el desmerecimiento de la gran pintura realizada por José Rivera, Francisco de Herrera el Viejo, Francisco de Zurbarán, Claudio Coello, Juan Valdéz Leal y otros.
La pintura del Greco, de Velásquez y de Murillo compendian en sí, total y cronológicamente los caracteres estéticos esenciales de la España del siglo XVII.
El Greco cuya labor abarca el primer tercio del siglo, constituye la expresión pura del sentimiento profundamente religioso del pueblo español. Su amaneramiento de estilo obedece a la intención renovadora que distingue el arte al fin del Renacimiento, del cual también fue protagonista; y al deseo de expresar mejor el verdadero fervor místico que era el móvil primordial del arte español desde Fernando Gallegos y Bartolomé Bermejo en el siglo XV.
Su línea alargada y ondulante con tendencia vertical para crear superficies en forma de lenguas de fuego; su color grisáceo, su fuerte contraste de luz y sombra, su representación figurativa alargada, son los medios con que logra expresar mejor que nadie, la historia, el alma, el sentimiento, la vida, el suelo mismo de la España de su época.
Luego le sucede Diego de Velásquez, que actúa como pintor de Corte  durante el segundo tercio de siglo, y cuya obra refleja con lujo de detalles el ambiente aristocrático en que se desarrolla y en el que habita la nobleza encabezada por el rey Felipe IV.
Luego sigue el pintor del pueblo, Bartolomé Murillo, el devoto realizador de las Concepciones, maestro insuperable de los niños pobres traviesos y picarillos con gracia e inocencia angelical. Sus vírgenes madres, como las de Rafael, son delicadas pero de más humana feminidad, tal vez como reclamo imperativo y realista del amor que también le hizo falta desde los primeros años de su pobre niñez.







fuente artespláticasjuanvillacortaparedes

domingo, 8 de septiembre de 2013

OBRAS DE REMBRANDT

LA LECCIÓN DE ANATOMÍA 




Es el cuadro que marca época en la producción del artista. Fue pintado en el año 1632.
Esta obra logró para el creador el sitial de primer maestro de la pintura en Amsterdam y la fama universal.
El cuadro es del tipo retrato corporativo,modalidad iniciada en Holanda por Franz Hals. El tema presenta varias personas en una misma actividad, profesión o corporación.
La Lección de Anatomía retrata una agrupación de médicos, todos ellos interesados en recibir una muestra de intervención quirúrgica de manos del célebre cirujano de la época, Nicolás Pietersz Tulp.
Lo interesante del cuadro no radica en los personajes que intervienen, de los cuales se conoce hasta sus nombres, sino en su caracterización realista y espiritual. Se ve en la expresión de los rostros los más diversos estados de atención y responsabilidad. Presenta desde la posible indiferencia al acontecimiento del personaje que se halla de pie y al fondo,hasta aquel que ya parece poner la nariz junto al bisturí del médico ejecutante. En definitiva es un estudio profundo que sintetiza en simplicidad admirable el eterno anhelo de investigación y experimento y frente al cual se puede medir los diferentes grados de responsabilidad de los protagonistas.

LA RONDA DE NOCHE

Si "La Lección de Anatomía" significó para Rembrandt, su triunfo definitivo, en la admiración universal en su época, por su sobriedad; "La Ronda de Noche" fue para el artista uno de los más enojosos contratiempos en su desarrollo artístico. La pintó en 1664. Sus dimensiones alcanzan tres metros y medio de alto por cuatro metros y medio de ancho.
En la actualidad se le considera como la obra maestro de Rembrandt, más no así en su tiempo que fue el escándalo más pavoroso por haber roto con la tradición compositiva del retrato corporativo. Se acostumbraba disponer de los personajes en acomodado orden, respetando su honorable clase social ya que siempre eran gente distinguida. En "La Ronda de Noche" el gran maestro desparrama atrevidamente a los protagonistas sin considerar sus pretensiones y sin importarle objeciones  ni reclamos. Su actitrud fue entendida como despectiva hacia los actores que en el cuadro presenta. La obra es magnífica, su colorido resplandeciente,  no deja de ser maravillosa en su totalidad.

fuente:artesplásticasjuanvillacortaparedes