martes, 10 de diciembre de 2013

Nacimientos navideños.

En esta actividad artística pueden observarse imágenes del trabajo en tela sobre los nacimientos típicos peruanos. Estos han sido confeccionados por Ana María Gonzales Negrini.

 
 
 
 
 
 
 
emmagonzales


miércoles, 20 de noviembre de 2013

Jacques Louis David

 
JACQUES  LOUIS  DAVID
 
 
 
David Self Portrait.jpg
 
Autorretrato
 
Nació en París, Francia, 30 de agosto de 1748  y murió en  Bruselas, Bélgica, 29 de diciembre de 1825 fue un pintor de bastante influencia en el estilo neoclásico. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos griegos, basándose en su austeridad y severidad, algo que cuadraba con el clima moral de los últimos años del antiguo régimen.
Llegó a ser un activo participante en la Revolución francesa así como amigo de Maximilien de Robespierre; en realidad fue el líder de las artes bajo la República Francesa. Encarcelado tras la caída de Robespierre del poder, más tarde se alineó con el advenimiento de otro régimen político, el de Napoleón Bonaparte. Fue en esta época cuando desarrolló su 'Estilo Imperio', notable por el uso de colores cálidos al estilo veneciano.
Entre sus numerosos alumnos cabe destacar a Antoine-Jean Gros, Anne-Louis Girodet de Roucy-Triosson y el más conocido de todos: Jean Auguste Dominique Ingres. Esto le hizo ser el pintor más influyente del arte francés del siglo XIX, especialmente en las pinturas académicas.
 
Sus principales obras son:
 
 
 
 


 
 
 

 
 
  
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 fuente:wikipwdia

 
 


lunes, 11 de noviembre de 2013

EL Neoclasicismo

EL NEOCLASICISMO
 
 
El arte neoclasicista aparce como reacción contra la extrema frivolidad, la superficiaidad y el sensualismo del arte aristocrático del siglo XVIII.
 
Este srte personifica el odio y el deseo de exterminio de aquella casta que tanto escarnio había hecho en la modestia y la pobreza colmándola de angustias para satisfacción de sus apetitoa indignos, El arte neoclasicista nace con la idea revolucionaria de los insurrectoa franceses que se proponían acabar con la monarquía, siendo por esto sus artistas, activos militantes del grupo insurgente.
 
El nuevo arte emanado de irregularidades políticas y sociales se inspiraba eb la rectitud y severidad del arte clásico y también en las austeras virtudes públicas y privadas de la República Romana. A estos motivos se asocia un acontecimiento circunstancial que efervorizó a los rebeldes; esto fue, el descubrimiento de las rinas de Pompeya y Herculano en 1775, y que cuyos restos de hermosura sencilla y solemne  contrastaba hasta el escándalo con el arte de la época.
 
Las ideas,con estos nuevos elementos de inspiración se consolidaron en pocas décadas y llevaron a efecto a más completa transformación política, social y artística.
 
En lo estético, el neoclasicismo se distingue por el estatismo, la intención regeneradora y la solidez equilibrada de sus formas. Su temática de sobriedad figurativa, presenta sus motivos esenciales sobre fondos estables, sencillos y generalmente limpios. Su colorido sigue la trayectoria moderna  de abundancia cromática. Su técnica es realista de notable academismo.
 
Los dos caracteres más llamativos de los cuadros neoclasicistas son: auel equilibrio compositivo que linda en lo estático y la intención filosófica que siempre alude a la prédica de la virtud, del patriotismo, del sacrificio hasta la inmolación por la dignidad y la libertad humana.
Los representantes fueron: Jacques Louis David (1748 - 1825). Francois Gerard  ( 1770 - 1837 ) y Dominique Ingres ( 1780 - 1867).
 
 
 
 
 
 
 
 
fuente:juanvillacorta

sábado, 9 de noviembre de 2013

LOS ISMOS DEL SIGLO XIX

ISMOS DEL SIGLO XIX
 
 

Después del arte rococó en el siglo XVIII que más o menos se extendió por toda Europa, Francia se constituyó en el país de las revoluciones políticas, sociales y artísticas. Aqui se originaron desde  comienzos del siglo XIX losmás variados e importantes movimientos pictóricos modernos; correspondiendo a la centuria del movimiento, los siguientes:


                                 Ismos                                                   Artistas representativos:

                                                                                               Jacques Louis David
                 EL NEO CLASICISMO                                       Francois Gerard
                          (1780 -  1820)  aprox.                                   Dominique Ingres

                                                                                                Theodore Gericault
                 EL ROMANTICISMO                                          Eugene Delacroix
                         (1820 - 1850)  aprox.                                     Theodore Chasseriaut

                                                                                                Jean Camile Corot
                 EL REALISMO                                                    Charles Daubigny
                          (1850 -  1870) aprox.                                    Jean Francois Millet
                                                                                                Gustave Courbet
                                                                                                Honoré Daumier


                                                                                                Edoaurd   Manet
                                                                                                Claude Monet
                                                                                                Edgard Degas
                 EL IMPRESIONISMO                                          August  Renoir
                          (1870 - 1900) aprox.                                     Camile Pisarro
                                                                                                 Alfred Sisley
                                                                                                 Berthe Morizot

                                                                 "No hay dones más preciosos heredados del cielo,
                                                                              que la vida y la libertad: esto, nadie lo entendió mejor que el arte"

fuenteartesplásticasjuanvillacota.

viernes, 1 de noviembre de 2013

GOYA






Retrato de Francisco de Goya
por Vicente López.





 Francisco de Goya y Lucientes fue el más genial de los pintores españoles del siglo XVIII. Su originalidad lo hace aparecer como irónico costumbrista , pero también como precursor en técnica y temática  del arte moderno en muchos de sus aspectos. El arte de Goya es un acopio de estilos bien logrados con gracia y talento. Se encuentra en su pintura la dinámica y el  color del arte barroco,la elegancia cotesana del rococó, la sobriedad estilística neoclásica, la eufórica rebeldía patriótica del romanticismo, la penetrante visión realista, la fluidez espontánea del impresionismo, el trazo grueso, violento y contrastado del expresionismo y la temática llena de fantasía  de tipo superrealista. La producción de Goya es grandiosa.

Obras: famosos son sus cuadros: Los caprichos, Aquelarre, El tres de mayo de 1808.


Cinco obras para conocer a Goya

El tres de mayo de1808.



 El quitasol.



GOYA - El aquelarre (Museo Lázaro Galdiano, Madrid, 1797-98).jpg  El Aquelarre.


fuente: artespléstica -google

martes, 22 de octubre de 2013

EL ARTE ROCOCÓ en España

Se inicia  con precisión cronológica en 1701 para concluir a fines de siglo; o sea que su desarrollo alcanza la totalidad del siglo XVIII.
Apareció como imposición autoritaria de Felipe V  que en 1701 asume el reinado.
Felipe V dispuso la introducción de la moda francesa. Empezó la alta sociedad por hablar el francés, vestir corbata de encaje, casaca, el uso de la peluca blanca y rizada en los caballeros, falda de grandes bullones en las caderas, la cabellera de abundantes bucles con cintas y lazos para las damas.
La transformación era manifiesta en la aristocrácia y muy pronto trascendería en la clase media y popular.
 

 
Pintura Rococó
 
Son escasos los artistas españoles cuyo estilo puede calificarse como propiamente rococó. Destacan Luis Meléndez y Luis Paret.
 
 
 
 
 
 
 Autorretrato de Luis Paret
 
 
 
Luis Paret y Alcázar (1746-1799) pintó escenas galantes y cuadros costumbristas de carácter amable, con tonalidades brillantes de gran efecto decorativo que lo convierten en el representante más importante de la pintura rococó en española.
Entre sus pinturas destacan El baile de las máscaras, Las Parejas Reales o Fiesta en el Jardín Botánico. Para Carlos III también realizó una serie de vistas de puertos y marinas del Cantábrico.
Es el mejor intérprete español de la moda francesa, razón por la cual se le compara con Watteau, el gran artista francés.
 La temática de Paret es variada, recrea su pincel en la representación de pasajes de la vida cortesana de Fernando VII y Carlos III. Sus motivos costumbristas presentan las romerías, las verbenas y las ferias de los mercados de Madrid. se muestra también interesante y acertado  en los asuntos religiosos y mitológicos en la interpretación del paisaje y  en la ilustración novelesca.
 


 

lunes, 14 de octubre de 2013

Pedro Longhi

 
Pietro Longhi 050.jpg
 
Autrorretrato Pietro Longhi
 
Pietro Antonio, hijo de  Alessandro Falca y de Antonia, nació en Venecia Santa María. Adoptó el apellido Longhi cuando emprendió la actividad artística. Al igual que otros venecianos de la época rococó, Longhi realizó su aprendizaje en Bolonia, primero con Antonio Balestra, renombrado pintor veronés de la época y después con Giuseppe Maria Crespi, llamadolo Spagnoletto, en el taller del cual, vino a entrar en contacto con los cuadros del Gambarini, con escenas de género de estilo refinado y superficial, típico del momento. Hacia 1730 se encontraba de nuevo en Venecia. De esta fecha data también su primera obra notable, unretablo encargado por el presbítero de la Parroquia de San Pellegrino, en Bérgamo, que muestra marcadas influencias del estilo barroco propio de decoradores venecianos del siglo xviii.
Al principio de su carrera, se dedicó a pintar escenas religiosas e históricas, que no le reportaron ningún éxito. Recién en 1737 figura inscrito en la Cofradía de los pintores italinos, lugar que deja en 1773.
 A partir de los años cuarenta y por influjo de Crespi, comenzó a pintar escenas costumbristas, convirtiéndose en un solicitado retratista de la vida veneciana. Siguiendo los pasos de Watteau y sus sucesores, logró crear una versión personal del cuadro-conversación, en el que, con una fina ironía, refleja las costumbres de la sociedad veneciana.
El dramaturgo y poeta Carlo Goldoni le dedicó un soneto a Longhi en 1750 que comienza con el verso «... Longhi tu que llamas a mi hermana musa de tu pincel que la verdad persigue... En 1756 fue elegido miembro de la Academia de Venecia de pintura y escultura -presidida por Tiépolo-, en la que ejercerería de profesor de 1758 a 1780. Se ha observado, acertadamente, un paralelismo entre los cuadros costumbristas de Longhi y las comedias de Goldoni, con el que el pintor estuvo en contacto.
Se distinguió extraordinariamente por sus cuadros de costumbres venecianas, en las que la agudeza de observación y la originalidad del asunto, suplen con frecuencia la falta de grandes dotes artísticas. La popularidad de las obras de Longhi fue considerablemente debida a los grabados de Cattini, Faldoni y Bartolozzi.
A partir de los años los sesenta cambia el estilo longhiano con el oscurecimiento de las tonalidades y una pincelada más amplia que parece poco trabajada, por lo que se conjetura acerca de una acercamiento a la forma rembrandtiana, en la estela de su contemporáneo Giuseppe Nogari, pero en realidad son muestras de la fatiga de una corriente que en muchos años no ha encontrado capacidad de renovación, casi un espejo de la misma República veneciana.
En 1763 dirige la Academia de Dibujo y Grabado, instituida por la familia Pisani en el Palacio San Esteban y destinada a la instrucción de Almoró Pisasni. La institución cierra sus puertas en 1765 tras la repentina muerte del joven patricio. La labor de retratista se hace más importante, por lo que su joven hijo Alessandro colabora ya en ella. En 1779 participa en la elección a la Academia del joven escultor Antonio Canova ; finalmente, el 8 de mayo de 1785, tras una convalecencia de diez días, muere de un grave angina de pecho en su casa de San Pantaleón,Venecia.
 





 

sábado, 12 de octubre de 2013

Juan Bautista Piazzetta






 
Autorretrato de Juan Bautista Piazzetta.


Juan Bautista Piazzetta nació en Venecia en 1682. Su arte es exclusivamente de caballete, de tamaño menor  que el de Tiépolo; pero muy rico en colorido técnica y temática.
Su modalidad libre de pintar da a sus cuadros cierta majestad y pompa que indefectiblemente los encuadra dentro de la corriente artística del siglo XVIII. Uno de sus cuadros más famosos y también de Venecia es "La Buenaventura".
Piazzetta creó un arte de color cálido y rico y una misteriosa poesía. Era muy original en la intensidad del color que a veces usó en sus sombras, y en la cualidad un poco sobrenatural que le dio a la luz que pone de relieve parte de la composición. Los gestos y miradas de sus protagonistas aluden a dramas que no se ven, como en una de sus pinturas más conocidas, El adivino(1740).1 Dotó de un similar carácter esquivo a obras de naturaleza religiosa, tal como la representación, Sotto in su, de la Gloria de santo Domingo en la Basílica de los Santos Juan y Pablo (Venecia).
También son notables sus cuidadosos dibujos de figuras de medio cuerpo o grupos de cabezas. usualmente en carboncillo o tiza negra con resaltos blancos sobre papel gris, están llenos del mismo espíritu que anima sus pinturas, y eran compradas por coleccionistas como obras independientes. También produjo grabados.
En 1750 Piazzetta se convirtió en el primer director de la recientemente fundada Scuola di Nudo, y se dedicó en los últimos años de su vida, a la enseñanza. Fue elegido miembro de la Academia Clementina de Bolonia en 1727. Entre los pintores de su taller estuvieron Domenico Maggiotto, Francesco Dagiu (il Capella), Francis Krause, John Henry Tischbien el Viejo, Egidio Dall'Oglio, y Antonio Marinetti.2 Entre los jóvenes pintores que imitaron su estilo están Giulia Lama, Federico Bencovich, y Francesco Polazzo (1683-1753).
Murió en Venecia en 1754.
Obras:
 
El joven abanderado
 
Asunción de la Virgen
 
 
 

Rebeca al pozo
 


Judith y Holofermes



fuente:venicethefuture
 
 

jueves, 10 de octubre de 2013

El Arte Rococó en Italia.

El Arte rococó en Italia tuvo lugar en Venecia. Siguió la línea rectora del barroco con sus grandes decoraciones cenitales.
Sus más distinguidos representante fueron: Tiepolo, Piazzetta y Longhi.


JUAN BAUTISTA TIÉPOLO
 
 
 
 
 
Nació en Venecia en 1696. Murió en 1770. Fue el más genial pintor fresquista veneciano del siglo XVIII. Su arte continúa la ambición cósmica y dinámica del arte barroco de Guido Reni y Guercino, como también la opulencia temática y plástica de Veronés.
 
En las grandes composiciones  espaciales de Tiépolo se presentan se presentan sus figurs con tal independencia de movimiento que parecen eternos habitantes del espacio o cuerpos liberados de materia y por tanto de gravedad. Se mueven desenfrenadamente, pero guardando coordinación  en el desplazamineto y conformando agrupaciones armónicas. El dominio del escorzo y de la perspectiva es fantástico.Sólo un artista poseído de una excepcional imaginación y un profundo conocimiento de la realidad formal udo llegar a tan extrema realizaciones.
 
 Si fantástica resulta su composiciín y temática la pintura de Tiépolo, mucho más lo es su abundante producción.Viajó mucho a solicitud de sus clientes, para la ejecución de trabajos  en decoración de amplios recintos en palacios, cofradías e iglesias. Su fama trascendió en toda Europa, razón por la cual sus más grandiosas obras se encuentran en el Palacio Episcopal de Wursburgo en Alemania y en el Salón del Trono de Madrid en España, donde deja la más admirable glorificación al país de las aventuras y conquistas.
En los Palacios venecianos Cierici y Labiá deja también su "carro del sol" y la reprsentación de una enorme fachada, pintados con tal realismo que causa estupor.
Tiépolo tuvo dos hijos: Dominico y Lorenzo, que fueron sus  ayudantes en vida y los continuadores de su obra. Éstos cuando libres del dominio paterno se identificaron con el arte francés y pintaron muchas escenas con damas ricamente ataviadas  y con mascarillas para aparecer de incognitas. Seguramente en España vieron mujeres de mantilla larga y militares con sombreros de tres picos de estilo francés y que bien los pintaron en sus jolgorios de intención amorosa.
 
Obras:

 
 
 
 
Sara y el Arcangel
 
 
Martirio de Santa Águeda
 
 
Frescos en Palacio Real de Madrid.
 
 
 
 
 
 
 
 

fuente: artesplásticasjuanvillacorta
 

martes, 8 de octubre de 2013

JUAN SIMEON CHARDIN

 
 
Jean-Baptiste Siméon Chardin 023.jpg
 
Chardin 
 Autorretrato con gafas
 
Chardin nació en París en 1699. Murió en 1779. Se le conoce como el pintor de los bodegones expresivos y vivientes. Sólo una extrema bondad de corazón y un profundo amor a la naturaleza, hacia todo lo estático, lo inerte e indefenso, pudo llegar a descubrir tanta belleza interna y externa en las cosas.
Chardin decia, que había enseñado a sus ojos a ver la naturaleza; razón por la cual llegó a comprenderla como pocos.
En 1728 se expuso la Raya de Chardin, en la festividad de Pont Neuf y Diderot que hacía de crítico dijo en prueba de admiración: "Hay allí la misma carne del pescado, hay la piel, hay la sangre" a lo que agrega José Pijooán: "bastaría tocar la tela con una varilla mágica para que resucitara entero el pez".
 
Chardin fuen un magnífico retratista, tema por el cual se identifica como el pintor de la clase media; de aquel grupo que no raya en la opulencia ni en la miseria y que por su vida tranquila y sencilla se permite el lujo de hacer gala de dones espirituales e intelectuales.
Las mujeres que pinta Chardin son hermosas, inteligentes y hacendosas, capaces de ponerse al tocador y presentarse en público. Sus niños revelan educación, delicadeza y elegancia; interés por el conocmiento y los valores del espíritu.
 
Obras:
 
   Bodegón con gato y raya.
 
  Señora sellando una carta.
 
  La lavandera
 Naturaleza muerta: Jarrón y frutas.
 
   Jarron de flores.
 
 
 
  Uva y granada
 
  Bendición
 
  Muchacha
 
 La vuelta del mercado.
 
fuente:wikipedia
artesplásticas:villacorta


domingo, 6 de octubre de 2013

Juan Antonio Watteau

Rosalba Carriera Portrait Antoine Watteau.jpg
Retrato de Watteau realizado por Rosalba Carriera (1721)
 
Juan Antonio Watteau- Nació en Valenciennes en 1684. Murió en 1721. Es el refinado poeta del amor. Su pintura es poesía que describe dulces paraísos. Su galantería hace suspirar la naturaleza con sus bosques otoñales.
 
Watteau es el pintor d la discreta belleza, vestida con opulencia a la moda burguesa de la época. No deviste ni enmascara a sus personajes para sugerir la intención erótica que se propone destacar; le basta envolverlas suntuosamente y disponerlas con aparente candor y timidez. Es precisamente aquel falso recatom, aquella pompa y delicadeza sensual de sus figuras lo que las reviste de misteriosa voluptuosidad.
 Por otra parte, a Watteau lo caracteriza un sentimentalismo manifiesto, que lo hace dulce y nostálgico  que logra expresar con sus temas  de  idilio al aire libre o en sus jolgorios de campo con música y canciones.
 
Con Watteau se presenta otro caso de compensación psicológica; su enfermiza constitución física, su timidez, y sus limitaciones obligadas en la vida de relación agudiza su fantasía y su finura, hasta mostrarlo como partícipe galante de tantas escenas amorosas de insuperable belleza.
Watteau muere a la 37 años de edad. Su labor es abundante: a sus cuadros de fiesta y amor al aire libre suceden sus pinturas de crítica tatral, en los cuales se muestra satírico incisivo con el amanerado, autómata e insensible teatro francés de la época y admirador de la sencillez y el natural realismo de la comedia italiana con su Pierrot a la cabeza.
Por último se presenta genial en el paisaje alegórico. Su cuadro "L' embarquemet pour Cythére" se considera comola mejor muestra de la poesía pictórica realizada en el siglo XVIII y como una de las más grandes realizaciones de las plásticas de todos los tiempos.
"El embarque para Citerea" o viaje  a la isla del amor,también se considera como una de las pocas creaciones  gestadas con aquel orden y sucesión de partes que requiere la verdadera obra maestra.
 
 
OBRAS:
 
 
 
Capitulaciones de boda y baile.
 

                                                         La Canción de amor.
 

 
El indiferente
 
Mascarada.
 
El embarque para la isla de Cítara
La muestra de Gersaint
 
pinturaclásicauniversalj.villacorta
wikipedia.
 
 


jueves, 3 de octubre de 2013

Juan Honorato Fragonard

Fragonard, Inspiration.jpg
Autorretrao de Fragonard
 
 
 
 
Nació en Grasse en 1732 (en la región de los Alpes Marítimos), hijo de un sastre especializado en la realización de guantes. Cuando él tenía seis años la familia se mudó a París. Debido a unas inversiones fallidas la familia entró en penurias económicas, y su padre decidió enviarle como escribano al despacho de un notario; pero pronto se desveló su inclinación por el arte.
El joven Jean-Honoré fue llevado ante François Boucher, quien reconoció sus dotes pero no quiso gastar su tiempo en darle una primera formación. Boucher le envió al taller de Chardin. Fragonard estudió durante seis meses bajo la tutela del gran luminista, progresó notablemente y volvió al taller de Boucher, quien entonces sí intuyó su valía. Allí Fragonard supo adquirir el estilo de su maestro de tal forma que éste le confió la realización de réplicas de sus pinturas.
Aunque no era un alumno de la Academia, Fragonard ganó el Premio de Roma en 1752, lo que le permitía su asistencia a Roma subvencionada por la Real Academia de Escultura y Pintura de Francia, con su pintura Jeroboam sacrificando a los ídolos, pero antes de ir a Roma estuvo estudiando durante tres años en el taller de Charles-André van Loo. El año antes de su partida a Roma pintó la obra Cristo lavando los pies de los apóstoles actualmente en la catedral de Grasse.
Ya en 1756 fue a Italia en compañía de Hubert Robert, esta visita fue clave ya que durante su estancia en Roma pudo admirar los románticos jardines, con sus fuentes, templos y terrazas, donde concibió los escenarios que posteriormente plasmaría en sus obras. Sobre su obra influyó también la florida suntuosidad de Giovanni Battista Tiepolo cuya obra tuvo oportunidad de estudiar en Venecia, antes de su regreso a París en1761.
En 1765 su obra Coreso y Calírroe (Museo del Louvre; un boceto en Madrid, Academia de San Fernando) le aseguró su admisión en la Academia. La obra fue objeto de elogio por parte de Diderot y fue adquirida por el rey, quien la mandó reproducir. Hasta este punto Fragonard había dudado entre temática religiosa, clásica y otros temas en sus obras, pero en este momento la demanda de patrones por parte del rey Luis XV que representasen escenas de amor y placer en la corte, dirigió la temática de las obras de Fragonard hacia las obras con escenas de amor y voluptuosidad con las que el nombre del artista ha sido asociado. Destaca de su estilo la belleza de los colores así como el virtuosismo del trazado fácil de sus obras. Las obras más destacadas incluyen El columpio (Londres, Wallace Collection), El cerrojo, El beso robado, Las bañistas, así como la decoración de las estancias de Mme du Barry y la bailarina Marie Guimard.
La Revolución francesa significó el final del antiguo régimen, y Fragonard, cercano a los máximos representantes del mismo, dejó París en 1793 y encontró refugio en la casa de su amigo Maubert en Grasse, que decoró con una serie de paneles decorativos conocidos como Roman d'amour de la jeunesse, originalmente pintados para el pabellón de música de Madame du Barry en Louveciennes. Los paneles fueron a parar a John Pierpont Morgan, quien a su vez los vendió a Henry Clay Frick. Actualmente ocupan las paredes de un hermoso salón de la Frick Collection de Manhattan.[1]. Fragonard volvió a París a principios del siglo XIX, donde murió en 1806, prácticamente olvidado.
Durante más de medio siglo fue completamente ignorado, hasta tal punto que Michael Scheißkopf, en su obra Historia del Arte (1873), ni siquiera menciona su nombre. Posteriormente su redescubrimiento le supuso su confirmación entre los maestros de la pintura
Murió en 1806.
        
Las bañistas                                                    El Columpio
 
 
 
          
La lectora                                                                     El cerrojo
 
 
 
 
fuente:wikipedia